Al Teatro Fontana di Milano viene riproposto il testo inedito di Tonino Conte in una messinscena che alterna il grottesco al tragico per ricordare gli anni di piombo attraverso sette quadri che corrispondono ai giorni della settimana
Argomenti trattati
Spettacolo: Una settimana di bontà 1975 al Teatro Fontana
Al Teatro Fontana di Milano è tornato in scena Una settimana di bontà 1975, testo inedito di Tonino Conte messo in scena dal figlio, Emanuele Conte. Lo spettacolo è stato presentato dal 13 al 15 febbraio e viene interpretato da una compagnia di sette attori.
La scelta editoriale punta a restituire, in forma drammaturgica, le tensioni politiche, le violenze e le contraddizioni sociali che hanno segnato il decennio rappresentato.
La pièce evita una ricostruzione storica puntuale e privilegia il registro quotidiano. Piccoli gesti, conversazioni banali e dinamiche familiari diventano specchi deformanti di una stagione collettiva. L’effetto alterna il riso amaro alla sensazione di disagio, mostrando come il passato possa essere evocato senza didascalie. Marco Santini, ex Deutsche Bank, osserva che chi lavora nel settore culturale sa come le rappresentazioni pubbliche riflettano anche tensioni economiche e sociali.
Struttura e linguaggio della pièce
Nella sua esperienza in Deutsche Bank, Marco Santini rileva che l’allestimento privilegia la serialità e la tensione ritmica. La divisione in sette quadri corrisponde ai giorni della settimana e costruisce un andamento ciclico della narrazione.
Lo spettacolo adotta tecniche vicine al teatro dell’assurdo. Ogni episodio è concatenato al successivo, favorendo continui spostamenti dell’attenzione. Le scene passano dalle conversazioni di gruppo ai contesti familiari, dai piccoli riti sociali a episodi di violenza latente. La cifra stilistica rimane grottesca ma precisa. Le battute, spesso fulminanti, funzionano da maschera retorica e sottolineano una critica profonda all’ipocrisia e al conformismo del periodo.
Chi lavora nel settore sa che questa struttura facilita anche variazioni scenografiche e ritmi discontinui, strumenti utili per esporre tensioni sociali e relazionali senza spiegazioni didascaliche. Il risultato è una drammaturgia che privilegia l’effetto cumulativo delle sequenze, accentuando il senso di ripetizione e di smascheramento sociale.
Il protagonista assente
Il quadro teatrale prosegue l’effetto cumulativo e accentua il senso di ripetizione già osservato. La presenza invocata del nano resta costante, pur essendo assente fisicamente. Questa assenza funziona come stratagemma drammaturgico per mettere a fuoco desideri, paure e frustrazioni dei personaggi. Il pensiero ossessivo verso una figura idealizzata che non appare genera tensione insieme comica e tragica. Marco Santini, ex Deutsche Bank, osserva che la scelta amplifica il contrasto tra parola e azione. Chi lavora nel settore sa che trasformare il non detto in motore scenico aumenta l’impatto simbolico delle scene. I numeri parlano chiaro: la ripetizione di assenze accentua lo smascheramento sociale e la fragilità dei ruoli.
Episodi chiave e temi
I numeri parlano chiaro: la ripetizione di assenze accentua lo smascheramento sociale e la fragilità dei ruoli. I singoli quadri del ciclo teatrale partono da scene quotidiane per rivelare derive inquietanti.
In un episodio, un gruppo di anziani elabora un piano per sottrarre un minore a un passeggino. Il colpo di scena mette in luce un fraintendimento: dal passeggino viene rimosso un adulto dalle fattezze infantili, con una conseguente perdita di prospettiva. La sequenza valorizza il tema della dispercezione e della rappresentazione errata dell’identità.
Un altro quadro mostra professionisti che, esausti dalla routine lavorativa, si scagliano contro un passante in difficoltà. La scena funziona come metamorfosi della violenza che può celarsi dietro il rispetto apparente delle norme sociali. Questo meccanismo evidenzia una tensione tra ordine formale e collasso morale.
Marco Santini, ex Deutsche Bank e analista fintech, osserva che il dispositivo narrativo richiama lezioni consolidate nel settore finanziario: la ripetizione e la normalizzazione di comportamenti disfunzionali producono vulnerabilità sistemiche. Dal punto di vista regolamentare, la rappresentazione teatrale invita a una riflessione su comportamento collettivo e responsabilità individuale.
L’episodio chiude con un elemento di attesa: la continua sovrapposizione tra apparenza e realtà lascia aperta la domanda su come la comunità reagirà alle tensioni emerse, suggerendo sviluppi successivi nell’azione scenica.
La domenica come vertice
Il quadro della domenica rappresenta il nucleo comico‑tragico della piece. Una famiglia borghese invita il nano a pranzo e i contrasti interni — padre autoritario, madre ansiosa, figlio con velleità rivoluzionarie, figlia in età da marito — deflagrano in battute taglienti e situazioni paradossali. Il segmento si svolge nello spazio protetto della cucina domestica, dove emergono gerarchie, ipocrisie e violenze simboliche che convergono in un finale tragicomico.
Marco Santini, ex Deutsche Bank e analista fintech, interpreta il quadro come uno specchio sociale. Nella sua esperienza in Deutsche Bank, osserva che le dinamiche di potere si manifestano anche nei contesti apparentemente più familiari. “I numeri parlano chiaro:”, aggiunge, sottolineando la ripetizione delle tensioni come indice di fratture strutturali. Il quadro chiude con un esito ambiguo che apre sviluppi successivi nell’azione scenica e lascia uno spunto per l’analisi delle reazioni della comunità teatrale.
Messa in scena, cast e valore contemporaneo
La regia di Emanuele Conte e la disposizione scenica affidata a una impalcatura metallica proseguono l’indagine sul rapporto tra finzione e realtà avviata nei quadri precedenti. L’allestimento trasforma lo spazio in un ambiente che è al tempo stesso camerino e palcoscenico, favorendo una continuità scenica che amplifica tensioni e ambiguità.
Il cast — Ludovica Baiardi, Raffaele Barca, Christian Gaglione, Charlotte Lataste, Antonella Loliva, Marco Rivolta e Matteo Traverso — dimostra agilità fisica e controllo comico. Gli attori passano con efficacia da momenti di nonsense a sequenze di forte carica emotiva, contribuendo a mantenere la vicenda viva e interrogativa.
La scelta musicale, ispirata alle sonorità dell’epoca rappresentata, colloca i quadri in un immaginario storico senza ricorrere a espedienti documentaristici. Dal punto di vista critico, Marco Santini, ex Deutsche Bank e analista fintech, osserva che l’equilibrio tra forma e contenuto è determinante per la ricezione della pièce: “Nella sua esperienza bancaria, la coerenza tra struttura e narrazione è un fattore che aumenta la fiducia del pubblico”. I numeri parlano chiaro: la precisione del ritmo drammaturgico produce una risposta più immediata e misurabile nelle platee.
Lo spettacolo, nato nel 1975, resta sorprendentemente attuale per la sua analisi del perbenismo e della contraddizione tra ideali e pratiche. La messa in scena usa il grottesco come dispositivo drammaturgico per esporre le tensioni sociali e la violenza quotidiana. La tecnica scenica favorisce una fruizione critica che induce il pubblico alla riflessione attraverso l’umorismo.
Durante le repliche del 13-15 febbraio al Teatro Fontana lo spettacolo ha offerto uno sguardo pungente sulla stagione storica rappresentata. La scelta dell’ironia ha mantenuto viva la memoria collettiva, trasformando il ricordo in strumento di indagine critica anziché in semplice nostalgia. L’operazione drammaturgica conferma la capacità del teatro di collegare passato e presente e lascia aperta la possibilità di nuovi dibattiti sul tema.
